Страница 6 из 9
Когда рисунок в чистом виде уже на картоне, я наношу на него тонкий слой акриловых красок. Но совместимы ли акриловые краски (имеющие водную основу) с маслом (по теории масло и вода не смешиваются)? Все зависит от того, как вы используете растворитель. Я использую акриловые краски как акварель — то есть в сильно разбавленном виде. Я предпочитаю акриловые краски масляным (которые здесь тоже прекрасно подойдут), поскольку первые высыхают гораздо быстрее. Стало быть я могу закончить этот этап работы за два или три часа, чтобы затем сразу же приступить к нанесению тонкого красочного слоя. Я наношу его маслом. Для этого я применяю масляные, так называемые «лессировочные краски»; в основном — те цвета, которые я намерен использовать в картине. Они должны быть достаточно прозрачны, чтобы не перекрывать лежащий под ними акриловый слой. Завершив два этих этапа, я получаю подготовительный рисунок.
Некоторые, чтобы сделать краску жидкой и прозрачной, применяют льняное масло. Это традиционный метод, но в таком случае на высыхание краски уходит довольно много времени. Льняное масло для того, в общем, и используется — чтобы краска растекалась более гладко и долго не высыхала.
Я предпочитаю не прибегать к специальному скипидару для живописи и пользуюсь для подготовительного рисунка разбавителем, который и предназначен для работы в домашних условиях. Это имеет свои преимущества: краски высыхают быстрее, чем скипидар, и, в отличие от него, не пахнут, что более удобно для работы.
По завершении подготовительного рисунка (то есть когда набросок переведен на картон и нанесена лессировка из основных цветов, которые я собираюсь использовать) я приступаю к окончательной работе. Я всегда начинаю с того, что находится на заднем плане. Фигуры следует согласовать с задним планом, чтобы придать им нужную меру выразительности. К тому же в процессе работы объекты на переднем плане должны перекрывать то, что на заднем. Это дает более четкие границы. Я предпочитаю использовать масляные краски фирмы Winsor amp; Newton. Что касается кистей, 75 процентов из них — тоже от Winsor & Newton.
Я стараюсь, чтобы моя живопись была достаточно изысканной, поэтому очень редко использую цвета в том виде, в каком они находятся в тюбике. Сияние одних цветов в картине достигается благодаря контрасту с другими цветами, которые так или иначе приглушены. Если вы наносите светлый цвет рядом с другим светлым цветом, то в результате они не будут контрастировать друг с другом. Поскольку живопись — это создание иллюзий цвета, света и тени, единственное, что может создать иллюзию сияния, так это контраст яркого и приглушенного цветов.
Чтобы придать цветам видимость прозрачного свечения, нужно по возможности использовать чистые краски (то есть не смешивать их) или действительно делать их прозрачными. Если у вас сквозь цвет просвечивает белый картон, свет будет отражаться от белого, создавая эффект светящейся прозрачности. Чтобы добиться этого, я могу разбавлять краску льняным маслом (которое к тому же замедлит высыхание) или просто писать более тонким слоем.
В работе над картиной крайне важно чувствовать, когда надо остановиться. Такое чувство приходит с опытом. Чем менее вы искушены, тем более вы склонны пересиживать над картиной. Недавно я ходил в класс, где занимаются набросками, и видел работы одной женщины, которая добивалась поистине прекрасных результатов в своих быстрых акварельных набросках.
Однако за два часа занятий ее акварель становилась грязной и жесткой. Женщина работала дольше, чем следовало. Сколько у вас есть времени на данную работу определенным образом влияет на то, сколько вы над ней просидите. С другой стороны, иногда бывает, что человек останавливается, когда работа еще не закончена.
Начинающий работать маслом склонен превращать цвета в такую грязь, что, в конечном счете, все становится коричнево-серым. Накладывая один цвет на другой, не добьешься их удачного сочетания. Лично я наношу их рядом друг с другом, а затем смешиваю края. Таким образом цвета остаются чистыми и сохраняют свое собственное качество.
Ясно, что для того, чтобы в картине появились драматические цветовые акценты (в смысле вибрирующего или привлекательного цвета), все не может быть одинаково ярким. Решение, где положить эти привлекающие внимание мазки, может быть как обдуманным, так и спонтанным. Но в основном такие вещи приходят по наитию — их чувствуешь. Тут нет правила. При взгляде на картину должно быть ясно, что нужно положить мазок здесь, мазок там. Чем больше пишешь, тем больше развивается интуиция. Если нужно опереться на более интеллектуальный подход, то можно поставить вопрос: что тут главное?
Какие элементы следует акцентировать?
Готовя типично фантастическую композицию, где есть главный герой, леди и монстр, можно задаться вопросом: что я хочу сделать самым важным? Горы на заднем плане? Облака в небе? Может быть, меч в руке героя? Самого героя?
Его лицо — выражение его лица? Или, может быть, — леди? Монстра? Тут много разных возможностей, и ваш выбор в огромной степени зависит от того, что вы хотите сказать своей картиной.
Порой я переворачиваю картину вверх ногами. Просто для того, чтобы быть ближе к конкретному участку, над которым я работаю. Однако чаще всего я таким образом преодолеваю воздействие знакомых форм или структур.
Это позволяет мне взглянуть на изображение свежим, сторонним взглядом, и тогда мне легче сосредоточить внимание на цвете и светотени.
Если, например, вы пишете руку, то ваше представление о том, как должна выглядеть рука, влияет на то, как вы с ней управитесь. Но если вы все это перевернете вверх ногами, вы можете воспринять ее не как руку, а скорее как абстрактную комбинацию светотени и цвета.
Закончив работу, я покрываю ее одним или двумя слоями даммарного (ретуширующего) лака, чтобы выровнять цвета. Обычно с разбавителем высохшие цвета выглядят скучно. К тому же, в зависимости от того, сколько использовано льняного масла или жидкой краски, одни куски картины смотрятся тусклее, другие ярче. Покрывая картину лаком, вы ее выравниваете. Каждый цвет выявляется с той степенью интенсивности, какую вы изначально задали.