Страница 8 из 12
Эпернь — многоярусная ваза, которую традиционно устанавливали на середину стола в аристократических домах. Обычно это был центральный сосуд, к нему прикреплялись несколько дополнительных чаш и блюд для фруктов и сладостей. Данный экспонат — один из самых сложных и виртуозных по исполнению столовых приборов указанного вида. Он сделан из серебра Томасом Питтсом. Мастер специализировался на столовых приборах нового вида: усложненные конструкции были придуманы для облегчения обеденных ритуалов. Гости сами могли брать понравившиеся им блюда, а не ждать слуг, которые вереницей подносили яства. Эта эпернь дает возможность познакомиться с особенностями стиля рококо в декоративно-прикладном искусстве. Привлекает внимание изысканность деталей: сложные профили ножек, узоры из экзотических цветов. Верхняя часть прибора напоминает пагоду. Такой, казалось бы, неожиданный образ появился в оформлении эперни неслучайно. Именно в XIX веке европейцы открыли для себя таинственное искусство Востока. Гостиные знати наводнили японские и китайские мотивы декора. Так произошел синтез двух культур: сложные изящные линии и завитки рококо объединили в себе наследие барокко и дальневосточных орнаментов.
Одно перечисление материалов, которые были затрачены на исполнение этого комода, говорит о высочайшем качестве и ранге экспоната. Он был создан знаменитыми мебельщиками второй половины XVIII века из мастерской Адама Вайсвайлера. Интересно, что в 2011 подобный комод этого же изготовителя продали за 7 миллионов долларов, он стал самым дорогим предметом мебели за всю историю европейского искусства.
Вайсвайлер по праву считается одним из самых выдающихся краснодеревщиков эпохи Людовика XVI. Он делал мебель для королевских особ, например, для Марии-Антуанетты создал несколько вещей в интерьеры ее замка Сен-Клод. Вайсвайлер любил изящную по силуэтам и членениям мебель, отдавая предпочтение синтезу богатства отделки, рафинированности и экзотичной эклектике. Он сотрудничал с лучшими мастерами Европы: с севрской мануфактурой, со знаменитым Томасом Чиппендейлом, именем которого назван целый стиль в декоративно-прикладном искусстве.
Над этим комодом Вайсвайлер работал с величайшим бронзовиком эпохи, талантливым скульптором и рисовальщиком Пьером Гутьером. Его руке принадлежат изящные вырезанные рельефы по сюжетам японской живописи. Здесь неоклассическая строгость предмета соединилась с лирикой экзотических восточных мотивов. Края комода фланкируют позолоченные фигурки кариатид — еще один классический мотив, на этот раз античного искусства. Богатство и роскошь экспоната усиливаются световыми эффектами, которые дает французский смоляной лак с вкраплениями частиц минералов и металлов.
Этот офорт — одна из самых знаменитых работ испанского художника-новатора Франсиско Гойи. Живописец и график, он известен как чрезвычайно страстный и искренний романтик своего времени. Перемена в настроении его произведений, прежде сочных по цветам и оптимистичных по атмосфере, произошла с началом революции во Франции 1790-х. В творчестве мастера появляются пессимизм, нотки острой критики, трагические мотивы отчаяния и смерти. Этот лист — N 43 из 80 графических листов его популярной серии «Капричос» («Причуды»). Ночные хищники — жуткие летучие мыши и совы — нарисованы в острой, нервной, энергичной манере. Композиция отражает тревожное состояние, которое, по мнению Гойи, охватило современников.
Итальянский художник и график Джованни Доменико Тьеполо в начале карьеры работал в тени знаменитого отца, представителя рококо венецианской школы Джованни Батисты Тьеполо. Однако уже в возрасте 20 лет он заявил о себе как о самостоятельном мастере. Джованни Доменико выработал собственный свободный, чуть нервный стиль графики. В его наследии наиболее новаторскими и интересным стали разнообразные жанровые сюжеты.
Серия рисунков из жизни героев итальянской комедии дель арте, созданная на рубеже XVIII–XIX веков, — одна из лучших работ творца. Комедия дель арте — это площадной театр, который действовал с XVI по конец XVIII столетия. Существовала устойчивая система персонажей, характерных героев, а действия и приключения в каждом представлении по-разному интерпретировались артистами. Они импровизировали, свободно комбинируя ситуации и сценки.
Пульчинелла (Полишинель — во французском варианте) наряду с Арлекином стал одним из самых популярных героев этого народного театра. Он был остряком, любителем шуток и любовных приключений. Широко известно и выражение «секрет Полишинеля», которое означает мнимую тайну, «секрет — на весь свет». В русской традиции персонаж более всего похож на Петрушку.
Данная работа Тьеполо открывает цикл из ста рисунков о жизни и смерти Пульчинеллы. Персонаж с горбом, крючковатым носом и характерной шляпой подходит к постаменту памятника с надписью: «Развлечение для детей». В руке он держит куклу. Именно это действующее лицо пользовалось широкой популярностью у юных зрителей. Нервная манера рисунка, мощный пьедестал и одинокая фигура героя вносят в работу особое настроение. Развлечения, театральная игра, шутки на сцене, ежедневный смех являются для Пульчинеллы тяжелым трудом, который увековечит его. Вещи и одежда бродячих артистов, изображенные у постамента слева, придают сцене монументальный аллегорический характер.
Ряд шедевров музея продолжает работа великого живописца-экспериментатора Уильяма Тернера. Он является самым известным и, пожалуй, скандальным английским художником XIX столетия. Мастер рисовал пейзажи, причем предпочитал морские виды, часто писал дождливую погоду, порывистый ветер и ненастье.
Это раннее произведение автора, но в нем прекрасно видны основные качества Тернера-живописца. Композиция делится на три части: слева — корабль, справа — берег с трудящимися на нем людьми, верхнюю половину холста занимает небо. В рисунке облаков, уходящих за горизонт, — основа очарования таланта мастера. Кажется, что он рисует играючи, не задумываясь работает кистью. Моментально создается живое ощущение огромности мира вокруг. Смелость мазков закономерно вдохновляла первых французских импрессионистов. Неудивительно, что Тернер считается одним из предшественников этого направления. Однако, наряду с новаторскими поисками выразительности, англичанин учился у старых мастеров. Он мог видеть большое разнообразие картин художников XVII века в частных коллекциях аристократов. Влияние искусства Голландии видно по сцене на берегу справа: фигуры людей типизированы и написаны в единой сдержанной цветовой гамме.
Это полотно на мифологический сюжет сделано по принципу тромплея. Так называли картины-обманки, в которых живописцы создавали иллюзию реальности предметов. Белое покрывало, изображенное на холсте, словно настоящее. Таким причудливым способом американец Рафаэль Пил, работавший в первой половине XIX века, стремился осмыслить тему мастерства художника, которая была поднята еще в античное время. По легенде, один творец (Зевкис) сумел нарисовать гроздь винограда так, что птицы, приняв ее за настоящую, сели, чтобы склевать ягоды. Другой же (Парразий) столь искусно изобразил изорванную в лохмотья штору, якобы прикрывающую картину, что обманул самого Зевкиса. Здесь романтик обыгрывает и ханжество современников, которые хотят прикрыть трепетное нагое тело человека покровом напускной морали (белый цвет традиционно означал невинность). Рафаэль — один из 16 детей в семье живописца, где все мальчики были названы в честь великих художников.