Страница 6 из 8
III. Искусство и популярная культура
У нас очень часто спрашивают: как начать свой путь в понимании современного искусства? Идеальной формулы нет, но есть советы, которые помогут вам начать свой собственный путь. Первый из них – начните с неспешного «изучения» существующей информации про художников, используя для этого, например, просмотр художественных фильмов. Это не потребует больших усилий, и вечером за бокалом вина или чашкой чая с тортом можно смело включить фильм «Фрида» с Сальмой Хайек, которая была номинирована на «Оскар» за лучшую женскую роль. Вы много узнаете про мексиканскую художницу, о том, почему она вдруг стала писать такие необычные картины, да и вообще заниматься искусством. Также проникнетесь атмосферой того времени, и в свою копилку знаний добавите еще ряд имен художников Мексики, таких как Диего Ривера. Кстати, на майском аукционе Christie's коллекции семьи Рокфеллеров, той самой, чьи предки фактически основали нью-йоркский Музей современного искусства, его полотно «Соперники» 1931 года установило рекорд цены на работы латиноамериканских художников, достигнув небывалой планки в $9,76 млн. Так уже после своей жизни он обошел рекорд Фриды Кало (в 2016 ее работа 1939 года ушла за $8 млн). Тем, кто захочет узнать больше и читает на английском – прямой путь на портал Google Arts & Culture, на котором недавно был выложен масштабный архив, посвященный жизни и творчеству Фриды Кало. В него вошли 800 фотографий артефактов из 33 мировых музеев, 20 работ в высоком разрешении, детали которых можно увеличивать, а также пять виртуальных уличных гидов по местам, связанных с художницей.
Жизнь Фриды и Риверы волнует многих, и именно живопись свела двух гениев. Именно Ривере, тогда уже маститому художнику, восстановившись после аварии, Кало принесла показать свои рисунки. Их она делала, будучи прикованной к кровати. На первой встрече художница вела себя дерзко, но Диего не прогнал девушку. Напротив, он по достоинству оценил ее работы. «Эта девочка – художник от рождения, необыкновенно чуткая и способная к наблюдению», – сказал Ривера. Они поженились в 1929 году. Отец Фриды не сразу дал согласие на просьбу о руке и сердце его дочери. «Моя дочь останется больной на всю жизнь. Подумайте об этом, и, если не раздумаете жениться, я дам согласие». Ривера не передумал. На свадьбе Кало появилась во всем великолепии: в нефритовом ожерелье доколумбовой эпохи, в тяжелых серьгах с подвесками, а изуродованные ноги скрывала длинная юбка в национальном стиле. Бывшую жену Риверы Гваделупе Марин тоже пригласили на торжество. Напившись, она задрала Фриде юбку и крикнула: «Смотрите, вон на какие спички этот дурак промерял мои восхитительные ноги!»
История отношений Фриды Кало и Диего Риверы – это череда бурных ссор и эмоциональных примирений. Даже женившись на Кало, Ривера не перестал проводить время со своими бывшими подружками. Но настоящим шоком для Фриды стала связь мужа с ее родной сестрой. Потрясение «вылилось» в создание картины «Всего-то пара царапин». На полотне художница изобразила сцену страшного убийства. Еще один шедевр Кало – страшное полотно «Больница Генри Форда». Мексиканская художница стала первым в истории автором, обратившимся к теме потери ребенка. «Больницу Генри Форда» Фрида написала в 1932 году. Тогда вместе с мужем она находилась в США. В Детройте художница заболела, и местные врачи после обследования поставили ей диагноз – бесплодие.
Фрида Кало и Диего Ривера женились дважды. В 1939-м пара развелась, а год спустя художник нашел бывшую жену в одной из клиник Сан-Франциско, где ей сделали сложнейшую операцию. Тогда Ривера снова попросил руки Фриды. И она согласилась. С начала 40-х проблемы со здоровьем Кало обострились. Чтобы уменьшить боли, художница принимала морфий и демерол. В 1944 году в течение пяти месяцев Фриде пришлось носить стальной корсет. Это стало настоящей пыткой, она была лишена возможности нормально передвигаться, работать и даже дышать. Но именно в это время Кало написала знаменитую «Сломанную колонну». Полотно стало олицетворением одиночества и боли, груз которых стал невыносимым для одного хрупкого человека. Фрида Кало скончалась 13 июля 1954 году от воспаления легких. Незадолго до смерти она оставила в дневнике такую запись: «Надеюсь, что уход будет удачным, и я больше не вернусь». Некоторые знакомые художницы предполагали, что она умерла от передозировки и что смерть могла быть неслучайной. Но доказательств этой версии не существует. За восемь дней до кончины Кало написала натюрморт из разрезанных арбузов. На их красной мякоти она написала «Viva la Vida!» («Да здравствует жизнь!»). Диего Ривера пережил Фриду на три года. После смерти жены художник несколько раз побывал в СССР.
Фильмы позволяют в ненавязчивой манере прочувствовать дух времени, атмосферу, в которой жили и работали художники, всего лишь наблюдая за игрой любимых актеров. Художественные фильмы, посвященные перипетиям жизни выдающихся и незаслуженно забытых художников выходят постоянно – жизнь практически каждого из них так и просится на экран. Но помимо развлекательного эффекта, который дает фильм, вы можете превратить любой просмотр в увлекательное действо по изучению современного искусства. Вот простой пример: в фильме «Поллок» Эда Харриса, режиссера и исполнителя главной роли, постоянно произносят фамилии художников и арт-деятелей, которые окружали мастера абстрактного экспрессионизма – Де Кунинг, Ли Краснер, Пегги Гуггенхайм… После просмотра фильма никто не мешает открыть Википедию и почитать краткие статьи про этих людей – и тем самым сделать шаг к более глубокому изучению искусства. Тут важно, что новые знания будут накладываться на атмосферу фильма. Это упростит изучение искусства и сделает его легким и увлекательным. Кстати, именно Поллок изменил отношение мира к американскому искусству. Есть расхожая фраза о том, что в России был Малевич, в Испании – Сальвадор Дали, а в Америке – как раз Поллок.
Абстрактный экспрессионизм – стиль, в котором Поллок создал одни из самых известных своих произведений. Это влиятельное движение в истории современного искусства сложилось в США в 1940-50-е годы. Хотя некоторые из ключевых фигур движения были эмигрантами, оно стало первым действительно американским движением в искусстве. А Нью-Йорк превратился в новую столицу современного искусства, «отняв» это звание у Парижа. Абстрактный экспрессионизм, основывающийся на достижениях европейского авангарда и развивающий их, пришел к полному отказу от любой формы (как биоморфной, так и геометрической), обращаясь к экспрессивным, выразительным свойствам цвета. В этом направлении можно выделить два условных подстиля: живопись действия и живопись цветового поля. Живопись действия возникла из сюрреализма и делала акцент на динамичном и энергичном жесте. Наиболее важное в творчестве художников этого подстиля – автоматизм, сам творческий процесс, вырывающаяся наружу страсть и личность художника, которые находили свое выражение и отражение в экспрессивных мазках, каплях и подтеках краски, а не получаемый результат. В 1947 году Джексон Поллок создал уникальную технику «дриппинг» – это разбрызгивание красок из банки. Об этом и всех мучениях художника как раз подробно рассказывает фильм «Поллок». Он вешал холст на стену или размещал его на полу, а затем совершал вокруг него некое подобие шаманского обряда – таким образом художник, по его словам, «входил внутрь живописи». Виллем де Кунинг, один из друзей Поллока, также развил собственную технику, используя при создании работ «мазки-удары».
В основе живописи цветового поля лежит использование больших плоскостей однородных цветов, в которых отсутствует присущая фигуративным или даже абстрактным работам композиция. Ведущими представителями стиля были Марк Ротко и Барнетт Ньюман. Такое разделение на подстили является достаточно условным, так как абстрактных экспрессионистов, художников, известных своими однотонными или почти однотонными картинами, многое объединяет. В частности, восприятие цвета как способа коммуникации. Живопись абстрактных экспрессионистов, создававших в основном масштабные работы, является отражением их индивидуального подсознания. Спонтанность и импровизация являлись важнейшими факторами в творческом процессе. Монументальные размеры полотен, которые нужно рассматривать с близкого расстояния, установили новый тип контакта между картиной и зрителем: «окруженный» картиной зритель словно «растворяется» в ней.