Страница 4 из 8
А вот современная история. На майских торгах Christie's 2018 года в Нью-Йорке за $22,8 млн была продана скульптура Джеффа Кунса «Пластилин», на производство которой понадобилось почти 20 лет. Один из самых дорогих современных художников задумал эту работу в 1994 году, через пару лет после того, как его маленький сын Людвиг сделал похожую форму во время игры и протянул отцу. Когда бывшая жена насильно увезла сына, для Кунса эта разлука оказалась тяжелым ударом. Чтобы справиться с переживаниями из-за расставания, художник пытался сделать идеально похожую пластилиновую фигурку. Работа над ней заняла у него почти два десятилетия. Вместо того, чтобы просто сделать полую отливку, Кунс решил, что каждый из кусочков «пластилина» определенного цвета будет выполнен отдельно из алюминия, а затем покрашен. Вся скульптура высотой чуть больше 3 метров собрана из отдельных частей, каждая из них доведена до состояния фотографической точности естественных, но увеличенных в несколько десятков раз разломов на пластилине. Если знать всю историю, почему Джефф Кунс создал «Пластилин», и сколько времени на эту работу потратил, эта масштабная скульптура уже воспринимается не просто какой-то цветной грудой, а начинает вызывать такие эмоции, как переживание и сочувствие. Ее размер, сильно превышающий высоту человека, дает понять всю боль, которую чувствовал отец, лишившийся сына.
Арт-критики часто называют Кунса «творцом банальностей», а его работы – «откровенной бессмыслицей». Но его это, кажется, мало волнует. Сам он собирает классическое искусство XIX–XX веков, а в его коллекции есть работы Пабло Пикассо, Эдуарда Мане, Николя Пуссена и Гюстава Курбе. Кроме этого, в 2010-х годах в своем творчестве Кунс также обратился к «старым мастерам». В серии Gazing Ball художник создал копии знаменитых классических картин и скульптур: Рембрандта, Тициана, Делакруа, Фрагонара и других. А главным различием с оригиналами стало наличие блестящего шара кобальтового цвета, приставленного к полотнам и к скульптурам. «Суть проекта не в копировании, а в единении, в концепции соучастия», – пояснял художник.
Сегодня мы знаем Кунса по «надувным собакам», но когда-то он делал совершенно другие работы. Уже в детстве Джефф Кунс много рисовал. Однажды свои картинки он вывесил в мебельном магазине отца. И на них нашлись покупатели. Уже взрослым признавался, что заработок доставил ему несказанное удовольствие. В одном из интервью он отмечал: «Не понимаю художников, которые из чистого кокетства прикрываются фразами вроде: «Искусство не должно быть материальным, оно – бескорыстный плод интеллектуальных страданий!» Что плохого в умении зарабатывать деньги? Когда деньги есть, их можно вложить в искусство». Сам Кунс поставил искусство на поток и превратил его в многомиллионный бизнес.
В годы учебы в Мэрилендском художественном колледже эпатажный Джефф Кунс красил волосы в красный цвет и носил усы, завитые на манер Сальвадора Дали. Позже, перебравшись в Нью-Йорк, он устроился продавать билеты в Музей современного искусства, а потом пошел работать брокером на Уолл-стрит. Полученный опыт помог позднее создать собственную корпорацию Jeff Koons LLC. В одном из недавних интервью художник назвал ее «фабрикой его мечты» – формат, который некогда был введен в художественную практику Энди Уорхолом. Сам Кунс только придумывает идеи будущих произведений, а в жизнь их до недавнего времени воплощал штат из более чем 100 сотрудников.
Расскажем еще несколько историй из творческой жизни этого – некогда самого дорогого – художника. В 1980 году Кунс выставил свои первые работы в Нью-Йорке. Это были масштабные концептуальные скульптуры: пылесосы и резиновые цветы. После художник представил публике инсталляции с баскетбольными мячами, помещенными в емкости с водой. Для того, чтобы рассчитать соотношение пресной и соленой воды в боксах, Кунс консультировался с нобелевским лауреатом Ричардом Фейнманом. Вскоре предметы обихода уступили место скульптурам из нержавеющей стали, покрытым яркой краской. Так «родились» известные «надувные» собаки. В 2013 году одна из них на аукционе Christies была продана за $58,4 млн. И вплоть до конца 2018 удерживала «звание» самой дорогой работы для ныне живущих художников. В 1991 году Кунс женился на итальянской порнозвезде Илоне Шталлер, известной под псевдонимом Чиччолина. Брак продлился недолго – всего десять месяцев. А вот скандал, вызванный серией работ «Сделано на небесах», был громким. При помощи живописи, фотографий и скульптур Кунс показал интимную жизнь супругов. Посмотреть на почти что порнографические работы выстраивались очереди. Католики были страшно возмущены. Арт-критики с трудом подбирали определения. А сам художник без стыда называл свои произведения истинным воплощением искусства и сравнивал их с картиной Гюстава Курбе «Происхождение мира». В 2008 году персональная выставка Кунса прошла в Версале. Это был первый случай, когда работы современного американского художника экспонировались в резиденции французских королей. Выставка вызвала скандал. Еще бы, в классических дворцовых интерьерах к потолку был подвешен гигантский омар, а в стеклянной витрине «сидел» Майкл Джексон с шимпанзе на руках. Больше других возмущались защитники истории страны. А представители Национального союза французских писателей и вовсе заявили, что выставка Кунса оскорбила память Марии-Антуанетты.
Вот еще один пример современного искусства. Многие, кто видит картины и скульптуры японского художника Такаси Мураками, изображающих героев похожих на персонажей из комиксов, к примеру, улыбающиеся цветы, думают о том, что они буквально олицетворяют счастье. На самом деле все сложнее: культура манги и комиксов возникла в Японии отчасти как реакция на ядерную угрозу после стертых с лица земли городов Хиросимы и Нагасаки в середине прошлого века. За этими образами люди пытались скрыться от великой трагедии. Творчество Мураками вобрало в себя эти мотивы: его герои часто предстают в образе «гриба» от взрыва атомной бомбы, за своими яркими красками они скрывают попытку пережить страшные события не такого далекого прошлого. А улыбающиеся цветы, по признанию самого художника, возникли потому, что улыбку было проще изобразить на том компьютерном оборудовании, которое он использовал почти два десятилетия назад при их создании. Сейчас же, с развитием технологий, у героев его работ можно увидеть куда больший спектр эмоций, чем просто «радость», стоящую за изображением улыбки. Характерный пример – картины, посвященные британскому художнику Фрэнсису Бэкону.
В чем ценность работ художника, если он сам даже и не притрагивался к ним?
Да, есть и такие примеры в современном искусстве, когда художники хотели перевернуть представление о том, как произведение искусства может быть создано. Энди Уорхол, к примеру, увеличивал найденные им в газетах и журналах фотографии и печатал их промышленным способом. Марсель Дюшан купил обычный для 1910-х годов писсуар и держатель для бутылок и назвал это искусством. Ему поверили не сразу, но именно он изменил понимание того, что замысел художника может быть передан совершенно по-разному, непривычными до этого методами.
Интересно посмотреть на работы и других художников. Один из родоначальников минимализма Дональд Джадд вообще считал, что художнику не стоит притрагиваться к произведению. Свои первые работы в этом направлении он создавал в 1950-60-х, когда в Америке к закату приходил абстрактный экспрессионизм с его максимальным вниманием к личности художника, его ярким жестам, этим брызгам краски на холсте, этой художественной мощи, которая выражалась активными росчерками кисти. Можно сказать, что работы в стиле абстрактного экспрессионизма очень физиологичны, они четко передают энергию и движение художника вокруг холста. И именно от этого Джадд хотел избавиться. Он придумывал свой объект, создавал чертеж и отправлял его на производство. Далее готовые экземпляры (к примеру, разнокалиберные «коробки» из крашеной стали или анодированного алюминия) просто устанавливали в галерее или музее. На них не было «магического» отпечатка руки художника, Джадд демистифицировал свой труд, ставил во главенство только предельно точную идею. И этой возведенной в абсолют чистотой замысла в воплощенном не им объекте сделал не только себе имя, но и навсегда вошел в мировую историю искусства.